Hatte Stiwenius fotografier

RICHE 13.09.2021 - 01.11.2021

Hatte Stiwenius (1949-2007), fotograferade konsekvent och på ett genomgripande sätt punkmusikens framväxt i Sverige under 70 och 80 talet och dess efterdyningar.Med fokus på det som hände både bakom scenen och människorna runt den,de som i punkrörelsen såg ett alternativ, en befrielse, allas rätt att uttrycka sig och möjligheten till revolt mot konventionerna. I detta upproriska sjuttiotal har Stiwenius sina fotografiska rötter, där finner han inte bara sitt eget bildspråk,
utan också en tillhörighet.Som förvaltare av hans fotografiska arv har vi, allteftersom vårt arbete med katalogiseringen av bilderna fortskridit, än mer förstått vikten av att låta en ny generation upptäcka den bildskatt han lämnat efter sig. Ett konstnärskap med hög verkshöjd, präglat av ett intresse att skildra människor och deras liv.
Nu känns det angeläget att sätta ihop dessa fragment till ett helt konstnärsskap och därmed ge Hatte Stiwenius sin rättfärdiga plats i den svenska fotohistorien.En kontaktkarta är som att få en glimt av vad som hände. En exponering som många av oss känner igen från ett skivomslag med Ebba Grön, Imperiet eller Tant Strul och som nu kan ses tillsammans med de andra exponeringarna ger en bredare berättelse från tillfället.
Under det pågående arbetet med den första boken, som fokuserar just på musiken, har vi valt ut 17 unika kontaktkartor ur Hatte Stiwenius Collections arkiv.Kontaktkartorna är printade i storleken 66x50cm på syrafritt bomullspapper 310g och i en upplaga på endast 10 exemplar + 2 AP. De inramade verken på utställningen är till salu och de andra editionerna säljs oramade via vår webbshop - hattestiweniuscollection.com
som öppnar samma dag som vernissagedagen.Alla bilder är certifierade och signerade av HSC och ett äkthetsbevis följer med varje print som kan monteras bak på inramningen.

Stockholm september 2021

Hatte Stiwenius Collection - Greger Ulf Nilson och Charlie Drevstam

Glaskonstnären Liu Chien-Kuang visar ett projekt där han intresserat sig för glaset som material och dess förmåga att imitera dyrbara ädelstenar. Grunden för projektet är hans egen forskning om hur glasblåsare i Ostasien historiskt har använt glas för att imitera sällsynta jadeföremål, en högt skattad ädelsten i Kina som tillskrivs lyckobringande och skyddande egenskaper.Med sina glasobjekt som efterliknar den värdefulla jaden skapar han en serie verk som på en gång är äkta och ändå imiterande.Verken ingår i serien SAK Edition och finns sedan att köpa via Sveriges Allmänna Konstförening (SAK)

Liu Chien-Kuang är född 1988 i Taiwan och är verksam i Gustavsberg. Han är utbildad vid Taiwans internationella konstuniversitet och 2019 tog han sin Masterexamen i glas och keramik vid Konstfack i Stockholm. Han har också rest runt och studerat glasblåseri på olika håll i Sverige Japan, Danmark, Sverige och Kina. Liu Chien-Kuang blåser sitt glas själv och behärskar några av glaskonstens mest avancerade tekniker, som han kombinerar med traditionella tekniker.Verken kommer att visas i en utställning på Lilla Baren Riche 14 september - 10 oktober och släpps till försäljning i oktober.Sveriges Allmänna Konstförening (SAK) är landets äldsta och största allmänna konstförening med syfte att stödja samtidskonsten och väcka intresse för samtida konst. Två-tre gånger per år presenterar SAK serien SAK Edition, multiplar i begränsad upplaga med Sveriges mest spännande konstnärer.För mer information, välkommen att kontakta Anna Hesselbom på anna.hesselbom@konstforeningen.se eller 070 744 54 48 eller Carl Carboni på calle.carboni@svenskabrasserier.seFoto : Alexandra Nilasdotter

Frida Fjellman

RICHE (& TEATERGRILLEN) 20.04.2021 – 01.07.2021.

Decopunk/Technobarock

I mitt arbete har jag återkommande tagit fasta på det som upplevs som för mycket. Jag intresserar mig för det som tar plats, det överdådiga men ibland också för det sensitiva och lite nerviga. Att fortsätta där jag är upplärd i att sätta punkt och ”inte förstöra”. Att skapa objekt som avväpnar eller får oss att reagera oväntat. Det mänskliga med allt vad det kan innebära. Det som fascinerar och genererar energi.

Jag intresserar mig också för rummet, både det offentliga och det privata. Vad vi väljer eller inte väljer att omge oss med. Vad som är accepterat eller inte i olika sammanhang. Om våra inlärda åsikter om hur saker och ting ska vara. Och vem som bestämt det. En del i mitt arbete har varit att försöka synliggöra detta, göra betraktaren varse om problematiken och på så vis också kanske öppna upp för nya tankegångar.

Jag ser mig själv som konsthantverkare. Det är min angreppsmetod och ur konsthantverket kommer den problematik som jag intresserar mig för.

Om kronan i Teattergrillen

Jag ser mina ljuskronor som en lekfull utveckling av den traditionella ljuskronan. Jag försöker olika sätt att gå genom att experimentera med färger, form och miljö.

Frida Fjellmans ljuskrona kan uppfattas som vulgär, nykter, dekadent, kraftfull eller till och med poetisk. Genom att leka med dimensionerna är det också möjligt att få betraktaren att känna sig liten eller som ett barn igen. Den första ljuskronan gjordes som ett betydande objekt för ”Att vara Frida Fjellman��, en stor separatutställning 2015.

För Frida Fjellman är ljuskronan också intressant som ett fenomen. Delvis som statussymbol men också som fokuspunkt och tidsstämpel. Ljuskronan ser även annorlunda ut i olika delar av världen.

I min ljuskrona ökade jag den faktiska pärlstorleken och gjorde att den blev det färdiga elementet i sig. Som en skrapad skatt grep någon bara gick iväg med …

Frida Fjellman har även gjort ”Venus i glas”, skulpturen för Nationalmuseum 2018.

I samma anda gjordes nyligen 7 totemkompisar, buddies. En av dessa står nu och skyddar Stora Baren på Riche. Skulpturen kan ses som vas, skydd, vän eller lampa samtidigt.

Frida Fjellman (f. 1971) kommer från Mariestad.

Hon är utbildad vid Konstfack och Pilchuck i Washington och har även formgivit för Kosta Boda.

Frida Fjellman finns representerad på många olika museer och konstinstitutioner och har bland annat ställt ut på Art Basel i Miami och Basel och Hostler Burrows i New York. Hon har belönats med flera stipendier och utmärkelser för sina utställningar

Louise Enhörning

TAVERNA BRILLO 14.04.2021-14.05.2021

Exploria

Konstnär: Louise Enhörning

Utställning: Exploria

Plats: Bar Brillo, Taverna Brillo

Tid: 14 April – 14 Maj

Öppning: 14 April 16:00 -> 20:00

Under pandemin har vi människor blivit påminda om att vi är ett med naturen och biologin. En del av vårt liv är förändrat, skilda tankesätt existerar om hur vi ska tolka vår verklighet och den pågående pandemin. Baserat på den samtida forskningen i biologi grundar sig utställningen Exploria på att människan och djuren har olika verklighetsuppfattningar. Projektet ifrågasätter vad som är sanning, vad som är verklighet?

I februari 2021 åkte Enhörning till Lunds universitet och lånade en modifierad manuell kamera av syngruppen på den biologiska institutionen. Kameratekniken mäter ljus på ett helt nytt banbrytande sätt. Fotografierna kan visa ljus som inte når människans eller djurens medvetande men uppfattas emotionellt. Bilderna visar nya verkligheter. I Exploria presenteras nya fotografiska verk, där några är fotograferade med den banbrytande ELF-metoden, som utvecklats av Lunds universitet.

En forskningsrapport om metoden kommer publiceras senare under våren 2021.

Under april månad visar Enhörning två olika utställningar med tematiken verkligheten.

Med olika ingångar till projektet presenteras två olika introduktioner kring en samtida problematik om vad som är och vad verklighet kan vara. Den första utställningen Heron City öppnar med kuratordrivna kl. 9 den 5 april i Östermalsmalmstorg tunnelbana. Andra delen Exploria öppnar på Bar Brillo, Taverna Brillo den 14 april med konstnären på plats.

Tack till Dan-Eric Nilsson professor i zoologi, Lunds universitet

se mer här;

http://www.louiseenhorning.com...

https://www.instagram.com/kl.0...

Handarbetets Vänner

TAVERNA BRILLO 22.04.2021 – 01.07.2021

HV x BrilloEfter en inbjudan från Taverna Brillo har studerande på Handarbetets Vänners Skola formgett nya textilier till Jonas Bohlins armatur Taverna. Tio lampkroppar har blivit klädda med handvävda tyger.

Det inspirerande uppdrag som restaurangen gav skolans studerande innebar nästan fria händer, så länge hänsyn togs till att restauranggästerna skulle kunna se varandra och maten. Många tog utgångspunkt i Jonas Bohlins ursprungstankar om textilt återbruk och resurshänsyn vid materialval och utformning. Så här skrev han till oss:

Min mamma skapade kläder av olika textil. Ett hantverk som kvinnor skapar och ett återbruk av textil-stuvar. De fyra sidorna kan även spegla olika element-årstider-sinnen-kulturer-konstformer. Hur som helst är armaturen ”Taverna” ett tydligt exempel på återbruk och miljöbra formprodukt. Se gärna lampan i min stora bok ”utflykt” kram J.

De nya lamp-textilierna är formgivna och tillverkade i Handarbetets Vänners lokaler på Djurgården. 13 studerande vid utbildningen Textilt Hantverk Basår har format tio nya varianter på lampbeklädnad, från första skissens pennstreck till sista trådens montering på plats i tavernan.

Formgivning/tillverkning: Carrie Cook, EvaLis Fredriksson, Sara Haglund, Saga Landström, Anna Lindström, Emilia Jung Sahlström, Pernille Knudsen, Kajsa Lindohf, Rebecka Lundborg, Rahwan Odlander, Line Rothmann, Hanna Sköld, Lisa Strandberg

Läs mer om de individuella lamporna, dess kreatörer och arbetet bakom på hvxbrillo.myportfolio.com

Handledare: Kim Halle, Lisa Hartman, Helen Högberg.

William Reed

RCIHE LILLA BAREN 16.12.2020 – TILLSVIDARE

Cult Of Sin
WILLIAM REED. B.1991. LUND

Instagram @willievanillie91
”This painting series draws inspiration from the seven deadly sins, mostly their color representation mixed with a contemporary visuality put in a Cult context. Like a neighborhood with a collective hive mind, the cult members offer a colorful buffet of madness and distorted vision of decay. With a foreshadowing of what’s to come.”

a personal fairytale

sale, vacation, jail.

cry for complaint

feint, twitter, saint.

take a dive,

join the hive.

Klicka här för verklista

Dag Hammarskjöld

Restaurang Sturehof 28.02.2021 – 31.05.2021

Kameran har lärt mig att se


Dag Hammarskjöld (1905-1961) var Generalsekreterareför FN 1953-1961. Han löste en rad svårartade internationella konflikter, skapade FN:s fredsbevarande styrkor och dog i en flygplanskrasch under ett uppdrag som medlare i inbördeskriget i Kongo i början av 1960-talet. Han var en rikt begåvad person med många intressen, bland annat fotografering. I hans arkiv på Kungliga biblioteket i Stockholm finns mer än 2000 fotografier. Att han var en entusiastisk naturfotograf var förstås inte okänt för samtiden. Bland annat publicerade tidskriften National Geographic bilder av Mount Everest, Annapurna och andra toppar i Himalaya som han tagit vid ett besök i Nepal 1959. men i övrigt har den stora bildsamlingen varit otillgänglig för allmänheten.
Tills nu, det vill säga. Tack vare ett tips från fotografen ochjournalisten Per Lindström har konstnären Johan Petterson gått igenom Dag Hammarskjölds bildsamling och gjort ett urval som först visades på Konsthallen Fabriken på Österlen sommaren 2019, och som nu för första gången presenteras i Stockholm på Restaurang Sturehof. Som curator har han valt bilderna ur ett estetiskt snarare än biografiskt perspektiv. Vilket inte hindrar att bilderna också säger något om Dag Hammarskjöld som människa, även om de knappast utgör något vanligt familjealbum.

– Henrik Berggren


Dag Hammarskjöld på Restaurang Sturehof

Bildstorlek/Upplaga; 18×18 cm samt 38×38 cm i en upplaga om 15 + 2 AP i varje storlek.

Inskanning av Kungliga Biblioteket i Stockholm från originalkopia.

Fine art Print, analog kamera, digital utskrift på Baryta 310 g papper.

Bildhantering utfört av fotograf Nils Petter Löfstedt, Malmö.

Med varje bild medföljer äkthetsintyg undertecknat av Caroline Hammarskjöld, Hammarskjöld Inversio.

Priser

exkl ram

18×18 cm / 38×38 cm

Manhattan skyline 23.000 kr / 39.500 kr

Haväng 23.000 kr /  39.500 kr

FN flygplan 23.000 kr / 39.500 kr

Bensinmack 14.500 kr / 19.500 kr

Övriga bilder 10.500 kr / 15.500 kr

Inramning standardglas 1.900 kr /  3.400 kr


Utställningen pågår till 31 maj

För mer info och vid köp: Martin Wickström 070-415 69 80

martin@kiwiab.se

Ann Edholm

TEATERGRILLEN 25.11.2020 - tills vidare

Ann Edholms svit "Not till trotz / I oviss timme"

Text om sviten från Ed. art

På kullen invid den medeltida kyrkan i sörmländska Lid står en gammal faluröd byskola. Här bor och verkar numera konstnären Ann Edholm och i ateljén pågår arbetet inför nästa stora separatutställning. I centrum hänger två målningar i Ann Edholms vanliga format; enorma dukar. Däremellan mindre målningar, som återtar formspråket från de stora – rött, vitt och svart med hårda, taggiga former. Det är aggressiva bilder som står i bjärt kontrast till de gröna, sörmländska kullarna utanför.

– Jag har varit ganska illa berörd. Över IS och Ryssland och hela SD-biten. Min mamma är tyska och hon är orolig. En släkting som satt i Auschwitz sa alltid till sina barn ”Tala aldrig om att ni är judinnor för det kan hända när som helst igen.” Och nu säger mamma: ”Det var precis såhär det började, precis samma stämning”. Och så IS från andra hållet. Det är allvar nu.

Så den dramatiken vävs in i de nya verken?

– Det var i alla fall där det började, med Guernica. Den har jag intresserat mig för länge. Kilen som återkommer i målningarna kommer ifrån Picasso, från hästens tunga. Dessutom har Picasso gjort vaginor med tänder på det här sättet. Den öppningen har jag arbetat utifrån i tidigare målningar.

Precis som i dessa senaste verk är berättelsen central i Ann Edholms måleri, trots att många skulle klassa henne som en abstrakt målare. Men själv framhåller hon att hon inte sysslar på med abstraktion.

– Jag jobbar utifrån en verklighet som jag använder mig av för att den beskriver en situation. Ta Guernican, exempelvis. Jag jobbar utifrån den och använder mig av den för att beskriva en verklighet eller en känsla, i detta fall kriget. Samtidigt finns det nästan allting en egen erfarenhet med i bakgrunden.

Ann Edholm tar målningen Kaddish som ytterligare ett exempel. Målningen består av orange och svarta färgtungor som går in i varandra.

– Kaddish är en judisk sorgebön som man läser fram och tillbaka. Jag kopplade ihop det med rörelsen av en örfil, den som slår och den som håller emot, slap slap slap, fram och tillbaka. Jag vill att det ska finnas både och i mina verk – en egen erfarenhet och något allmängiltigt.

Men det får inte bli för mycket berättelse, du pratar om att arbeta i gränslandet mellan bild och måleri? Vad menar du med det?

– När du står på ett visst avstånd från en målning så får du en klar bild. Men när du närmar dig löses den upp i måleri. Utmaningen är att få det att bli upplöst utan att tappa skärpan, att ligga i ambivalensen mellan det rent abstrakta och berättelsen hela tiden. Det är där det blir intressant.

De mindre verken kallar Ann Edholms för ”fotnötter” till de stora. Själv tittar hon ofta först på fotnötterna när hon närmar sig en text, för att se var tankegodset kommer ifrån. I den judiska traditionen finns en djup respekt för tillägg, omläsningar och tolkningar som Ann Edholm vördar.

– I det judiska ifrågasätter man hela tiden det gamla och förändrar läsningen av de heliga skrifterna. Varje kommentar som någon suttit i synagogan och skrivit är helig. Mina små målningar fungerar som de där små lapparna som man skriver ner sina kommentarer på.

– Egentligen ligger mitt intresse mellan målningarna, i den egna processen. Det är övergången från en händelse till nästa som är det intressanta, det är där man ser rörelsen. Det är kanske därför jag inte har sparat några av mina egna målningar. I mitt förråd står bara söndriga saker


verk som visas; 

Ann Edholm
Trans-Formation I / Slag
2015
Vinyl on canvas
30 x 42 cm | 11 3/4 x 16 1/2 in

Ann Edholm
Trans-Formation II / I oviss timme
2015
Vinyl on canvas
3 paintings, each 30 x 42 cm |


Peter Hagdahl

RICHE 03.03.2020 - tills vidare

Peter Hagdahl visar två verk på Riche mellan 3 mars och 19 april,

2020. Konstverken kan liknas vid en slags flödesscheman som blandar

måleri, teckning och rörlig bild till sammansatta spänningsfält av

rörelser, konflikter och händelser.

Hagdahls konst består ofta av tvärvetenskapliga och poetiska

återgivningar mellan motsägelser, händelser och omständigheter – där

platsens karaktär såväl som den aktuella situationen är viktiga

komponenter och utgångspunkter. Ett vanligt tema i hela Hagdahls arbete

har varit att gestalta det stabila mot det instabila och flyktiga, där

varje beskrivning eller konstruktion är direkt beroende av händelser och

reflektioner både utanför och inom oss själva.

Peter Hagdahl har bland annat arbetat som professor vid Konstfack,

Stockholm och Kungl. Konsthögskolan i Stockholm. Sedan 2014 har han vid

sidan av sitt konstnärskap varit curator på Statens konstråd där han

arbetar i en mängd olika situationer och format för det offentliga

rummet.

Hagdahls konstnärliga praktik sträcker sig mellan forskningsprojekt

och utställningar i olika format och sammanhang både i Sverige och

utomlands. Bland de platser där han har gjort utställningar är PS1, New

York, Moderna Museet, Stockholm; ICC Tokyo; Musée d’Art Moderne de la

Ville de Paris, Kiasma, Helsingfors och Centro Cultural del Conde Duque,

Madrid.

SE VERKFÖRTECKNING HÄR;

https://riche.se/konst/utstall...